Épisode 6 : Diriger les acteurs : Ce que tout réalisateur de court métrage doit savoir
Télécharger MP3J'ai regardé des courts métrages dans la salle de projection des oscars où la cinématographie était magnifique, où la direction artistique était époustouflante, où la structure narrative était impeccable. Et pourtant, le film n'a pas atteint la liste finale. Pourquoi Parce que les interprétations n'étaient pas à la hauteur. De la même façon, j'ai vu des films avec une cinématographie ordinaire et une direction artistique médiocre, avec des interprétations brillantes qui rendaient ces films électrisants. Alors quelle est la leçon à en tirer Les acteurs ne font pas simplement partie de votre histoire.
Bob Degus:Ils sont votre histoire et c'est ce que nous allons explorer dans cet épisode. Après 40 ans à Hollywood et plus de 3000 courts-métrages regardés en tant que votant aux Oscars, je sais ce qui distingue un bon court métrage de celui qui remporte des récompenses. Je m'appelle Bob Degus. Voici le podcast Votre Coach Cinéma Hollywood où nous vous aiderons, vous, à créer des courts métrages primés. Épisode 6, Diriger les acteurs, ce que tout réalisateur de court-métrage doit savoir.
Bob Degus:Dans l'épisode précédent, l'épisode 5, nous avons établi que l'histoire est le fondement non négociable de tout court métrage. Aujourd'hui, nous allons aller plus loin, car l'essence de ce qui fait une grande histoire doit vivre dans les corps, les visages et les voix de vrais êtres humains qui incarnent vos personnages. Dans ce podcast, nous allons examiner le pont entre l'histoire que vous écrivez et l'histoire que le public vit et ce pont passe par les acteurs. La question est donc comment aider vos acteurs à donner et à offrir leurs meilleures performances et plus fondamentalement encore Comment savoir quels acteurs conviennent à votre film Qu'est-ce qui rend le jeu d'acteur dans les courts métrages différents de celui dans les longs métrages Il existe des différences vraiment fondamentales du point de vue de la réalisation dans l'un ou l'autre format. Le jeu d'acteur dans les courts métrages et la direction d'acteur dans les courts métrages comportent des exigences très spécifiques qui sont très différentes de celles des longs métrages.
Bob Degus:La 1re grande différence est que vous n'avez pas le temps de trouver les performances sur le tournage. Sur un long métrage, les réalisateurs travaillent avec leurs acteurs pendant 50, 60, 70 jours en travaillant, en affinant, en trouvant l'interprétation. Peut-être retournez-vous quelque chose tourné au début parce que le jeu de l'acteur a évolué au fil du tournage, mais sur un court métrage, surtout si vous n'avez pas beaucoup d'argent, cela signifie que vous n'avez pas beaucoup de jours de tournage. Vous allez travailler avec ces acteurs dans une période très condensée et très serrée. Très souvent, la performance que l'acteur vous donne le jour du tournage est la performance qui sera dans votre film.
Bob Degus:Vous n'aurez pas la possibilité de revenir en arrière pour la retourner, la modifier ou l'explorer. C'est simplement une période de production beaucoup plus comprimée. La 2e chose, c'est que le jeu d'acteur dans les courts métrages va vraiment à l'os. Sur un long métrage, s'il y a une journée où l'acteur est un peu en dessous, il est très probable que la scène précédente était excellente et que la scène suivante l'était aussi. Ce petit creux dans la performance, vous pouvez le surmonter parce que vous avez tout cet élan qui vous porte en avant.
Bob Degus:Les premiers jours de tournage d'un long métrage ne donnent souvent pas le matériel le plus solide parce que le réalisateur trouve ses marques avec cette équipe et ses acteurs. À la 2e semaine, l'équipe a trouvé son rythme et fait du très bon travail. Quand vous planifiez un film, vous mettez souvent les scènes les moins importantes en 1re semaine de sorte que si c'est un peu brouillon, ce n'est pas grave. Mais sur un court métrage, vous n'avez pas ce luxe. Vous tournez dès le 1er jour, peut-être 2 jours de tournage, peut-être 3.
Bob Degus:Il n'y a pas de période lente pour trouver ses performances. Boum, vous êtes directement dedans. Vous, vos acteurs, toute votre équipe devez être concentré pour délivrer ce que l'histoire exige des acteurs dès le départ, dès la 1re minute. Le public s'attache plus rapidement aux acteurs dans les courts métrages. Dans un long métrage, il y a une introduction progressive où l'on découvre l'univers des personnages, la ville où ils vivent, leurs amis.
Bob Degus:Tous les éléments qui seront explorés au fil des 2 heures vous sont présentés. Dans un court métrage, vous n'avez pas ça. Vous plongez immédiatement dans l'histoire. Pensez aux becs dont nous avons parlé dans le dernier épisode. D'emblée, vous vous identifiez à Greenwood et vous êtes dans son parcours.
Bob Degus:Le fait que le public s'attache au personnage plus immédiatement dans les courts métrages signifie que les 90 premières secondes où vous faites connaissance avec votre personnage principal sont incroyablement importantes. Alors, comment façonner une grande performance avec un acteur Comment aider un acteur à délivrer cette performance Et comment arriver préparé en tant que réalisateur sur un court métrage pour y parvenir Quel est le travail du réalisateur avec les acteurs Ce sujet pourrait faire l'objet d'un podcast entier à lui seul. C'est un sujet immense. Des centaines de livres ont été écrits à ce sujet et je pense qu'il est vraiment important que vous compreniez quelque chose que j'ai observé, non pas dans la salle de projection des oscars, mais sur des plateaux en travaillant avec de très nombreux réalisateurs, à savoir qu'un bon nombre de réalisateurs ont peur des acteurs. Et ils ont peur des acteurs parce que les acteurs sont très dynamiques et fluides et ont toutes sortes de perspectives intéressantes sur les choses.
Bob Degus:Alors que la caméra, que beaucoup de réalisateurs maîtrisent parfaitement, un objectif de 50 millimètres mis sur cette caméra fera toujours ce que fait un objectif de 50 millimètres. Les réalisateurs ont des compétences en caméra et dans les aspects techniques du cinéma. Mais quand il s'agit de la dynamique du travail avec les acteurs, beaucoup de réalisateurs ont vraiment peur. C'est parce qu'ils n'ont pas pris le temps de comprendre comment communiquer avec les acteurs ni d'être ouverts à l'exploration dont les acteurs ont besoin pour créer leur meilleure performance. Parlons de ce que vous ne devez pas faire quand vous dirigez des acteurs.
Bob Degus:Certaines de ces choses sont comiques, mais elles valent la peine d'être mentionnées. Vous ne dites pas à un acteur comment prononcer une réplique. Vous ne lui montrez pas la performance que vous attendez en lui faisant une démonstration. Vous ne microgérez pas chaque choix physique, chaque moment émotionnel et vous n'attendez pas de l'acteur qu'il exécute simplement ce qui est sur la page. Je veux contraster cela avec le travail en publicité où vous demandez à l'acteur de prendre le produit d'une certaine façon, de le tenir d'une certaine façon.
Bob Degus:C'est quelque chose de très différent. Mais dans le cinéma, vous voulez créer les conditions dans lesquelles une grande performance peut se produire. C'est votre mission la plus importante. J'aime penser à la mise en scène comme à l'organisation d'une fête où vous invitez vos acteurs et votre équipe comme invités. C'est une responsabilité très différente de celle du réalisateur qui exige une performance de son acteur.
Bob Degus:Vous voulez créer l'espace dans lequel une grande performance peut éclore. Deuxièmement, comprendre ce dont chaque acteur a besoin sur le plan émotionnel, pratique, physique et personnel pour les aider à comprendre la vérité, la vérité intérieure qui est dans ce personnage. Ce que j'ai découvert quand je réalisais, c'est que je faisais toute cette planification, je dressais tout, je connaissais ces moments pour ce personnage, ces autres moments pour cet autre personnage et ce que j'ai trouvé sur le plateau, c'est que rien de tout ça n'avait d'importance. La préparation était bien sûr nécessaire, mais j'ai dû tout jeter par-dessus bord parce que chaque acteur avait besoin de quelque chose de différent de moi en tant que réalisateur. Les grands réalisateurs sont capables de sentir cet acteur a besoin que je sois ainsi, cet autre acteur a besoin que je sois autrement.
Bob Degus:Ils s'adaptent presque comme un caméléon dans leur façon de se rapporter à chaque acteur en leur donnant ce dont ils ont spécifiquement besoin pour donner une grande performance. C'est différent de forcer l'acteur à s'adapter à vous. Vous mettez en place la situation dans laquelle votre acteur va pouvoir réussir. Votre travail en tant que réalisateur est aussi de communiquer le pourquoi de chaque scène, pas le comment, mais le pourquoi. Le pourquoi donne du sens à ce dont parle la scène.
Bob Degus:Le comment, où se tenir, comment se déplacer, vous laissez l'acteur le découvrir, peut-être qu'il va commencer debout là, peut-être qu'il va marcher vers le canapé et s'asseoir. Ces choses émergent de ce qui semble naturel à l'acteur. Il est vraiment important de construire une relation de confiance avec vos acteurs et de ne pas la trahir. Je ne pense pas que cela puisse s'enseigner. Soit vous êtes quelqu'un de digne de confiance, soit vous ne l'êtes pas.
Bob Degus:Et vous devez comprendre que jouer est extrêmement vulnérabilisant parce qu'un grand jeu d'acteurs expose l'âme de quelqu'un. Vous voulez créer un espace où l'acteur se sent en sécurité pour faire cela. J'ai travaillé avec un réalisateur une fois, un homme très agréable et nous étions 2 ou 3 jours dans le tournage quand l'un des acteurs a raté ses répliques. Le réalisateur en a fait tout un plat en disant le prix du 1er raté de réplique du film revient à cet acteur en particulier. Il essayait d'être gentil, de faire une blague pour dire que c'était normal de rater.
Bob Degus:Mais ce qu'il a fait, c'est embarrassé cet acteur. J'ai regardé tous les autres acteurs sur le plateau se fermer et pensé, bon, c'est un plateau où on va se faire ridiculiser. Et ce qui s'est passé, c'est que les acteurs ont donné des performances moins risquées, ce qui a signifié que la grande performance dont le film avait besoin n'a jamais eu lieu parce que les acteurs sont devenus inhibés à cause d'une erreur innocente, mais énorme que le réalisateur a commise. Vous voulez construire une relation de confiance avec vos acteurs où vous les respectez et où ils ont confiance que vous allez tenir cet espace pour eux. Au théâtre, les acteurs reçoivent le retour du public et peuvent calibrer leurs performances chaque soir.
Bob Degus:Au cinéma, il n'y a pas de public. Les acteurs comptent sur vous en tant que réalisateur pour être le reflet de leurs performances. S'ils ne peuvent pas vous faire confiance, ils ne peuvent pas faire confiance à ce reflet. La dernière chose à ce sujet, c'est de savoir quand pousser un acteur et quand prendre du recul. C'est quelque chose pour lequel vous développerez un instinct.
Bob Degus:Cela vient du travail avec les acteurs, du fait d'être sur un plateau, d'être capable d'écouter votre voix intérieure et de sentir le plateau, de savoir quand vous voulez pousser un acteur à faire une autre prise ou quand vous voulez simplement laisser faire. Avec la caméra, un objectif de 50 millimètres créera toujours la même composition. Avec les acteurs, c'est beaucoup plus dynamique, beaucoup plus intuitif et c'est ce qui rend cela passionnant. Alors quand on travaille avec des acteurs, quelle est la décision la plus importante qu'un réalisateur puisse prendre La réponse, c'est le casting. Je pense qu'un réalisateur n'a vraiment qu'une seule décision entièrement libre à prendre sur un film.
Bob Degus:Et c'est qui distribué dans les rôles Tout le reste découle de cette unique décision. J'ai compris cela en imaginant un film où le même personnage est joué par John Wayne et puis par Jimmy Stuart. Vous pouvez imaginer que cela donnerait lieu à 2 performances complètement différentes ou penser à Timothée Chalamet face à Dwayne Johnson dans le même rôle, 2 versions complètement différentes du film. Votre travail en tant que réalisateur est de trouver et de mettre la meilleure personne dans votre film. Pensez à ceci.
Bob Degus:Disons que vous avez une vision pour votre film et que l'acteur idéal serait quelqu'un comme Timothée Chalamet. Mais vous avez un contact direct avec Dwane Johnson. Il adore votre projet et veut s'impliquer. Alors vous le castez parce que c'est un grand acteur avec qui vous avez un lien et puis vous passez tout votre tournage à essayer de lui faire donner le type de performance que Chalamet pourrait donner. Vous allez vous battre contre votre choix de casting pendant tout le tournage.
Bob Degus:La chose la plus importante pour un réalisateur, c'est de choisir le bon acteur pour le rôle, puis de se mettre à 100 pour 100 derrière cet acteur et d'aider cet acteur à donner la meilleure version du personnage qu'il peut donner. Le bon acteur rend votre travail possible. Le mauvais acteur le rend complètement impossible. J'ai assisté à des projections où on se demande pourquoi ils ont casté cette personne dans ce rôle. C'est le mauvais choix pour la performance.
Bob Degus:C'est comme des ongles sur un tableau noir. Ça vous fait grincer des dents parce que ce n'est pas en harmonie. Et à l'inverse, j'ai vu des films avec des acteurs très peu connus qui sont parfaitement castés pour les personnages qu'ils jouent. Et c'est comme un beau morceau de musique. Alors qu'est-ce que vous devez rechercher quand vous faites le casting de vos acteurs Premièrement, la disponibilité émotionnelle.
Bob Degus:Cet acteur peut-il accéder à de vraies émotions en lui-même rapidement et sans une longue préparation Il y a des acteurs, je vais citer Daniel Day-Louise, parce qu'il est le plus célèbre pour ça, qui ont besoin d'un an de préparation. Il devient littéralement le personnage. Les acteurs qui travaillent avec lui disent, je n'ai jamais rencontré Daniel Day-Louise, j'ai rencontré le personnage, parce qu'il reste dans le personnage et utilise le jeu de méthode et c'est extrêmement efficace pour lui. Mais si vous faites un court métrage avec 3 ou 4 jours de tournage, ce serait probablement un très mauvais choix parce que vous n'auriez pas le temps de soutenir son processus créatif. Vous voulez un acteur qui puisse accéder à de vraies émotions rapidement.
Bob Degus:Deuxièmement, la spécificité. L'acteur peut-il apporter quelque chose de particulier et d'irremplaçable au rôle qu'aucun autre acteur ne peut apporter J'ai dit plusieurs fois dans ce podcast que vous devriez réaliser des films que seul vous pouvez réaliser. De la même façon, vous voulez trouver l'acteur qui est le seul acteur à pouvoir interpréter ce rôle. Troisièmement, la présence peut-il tenir le cadre Avez-vous envie de le regarder Il y a une différence entre voir un acteur en personne et le voir à l'écran. Va-t-il être intéressant à regarder dans le film C'est quelque chose que vous devez évaluer.
Bob Degus:Quatrièmement, l'intelligence. L'acteur comprend-il l'histoire Comprend-il le personnage au niveau que le film exige Si vous faites une comédie, vous voulez un acteur qui ait le sens du timing comique et qui vous fasse rire. Dans un drame, vous voulez un acteur avec l'intelligence artistique pour comprendre de quoi il s'agit et l'apporter au film. Et il faut que ce soit quelqu'un avec qui vous sentez que vous pouvez avoir une relation de confiance presque immédiate. Quand vous rencontrez des acteurs, vous voulez ressentir.
Bob Degus:C'est quelqu'un à qui je peux parler. C'est quelqu'un avec qui je peux avoir un dialogue. Disons que vous faites votre film, budget plus serré, et que vous avez accès à un acteur très connu. Ce pourrait être un excellent choix de casting s'il convient au rôle. Ou peut-être pas, même s'il convient au rôle.
Bob Degus:Si vous le rencontrez et que vous vous dites, je ne peux pas travailler avec cette personne, rien à lui reprocher, vous n'avez tout simplement pas de chimie. Alors il vaut peut-être mieux ne pas le caster. Vous allez ressentir la relation entre le réalisateur et les acteurs dans le film. Évitez de faire du casting par connexion ou par commodité, mettre vos amis dans le film parce que ce sont vos amis ou caster un acteur célèbre avec qui vous n'avez pas eu de connexion lors de la rencontre parce que vous aviez un lien avec lui. Ces choix vous donneront des performances moins solides lorsque vous avez une vraie connexion avec l'acteur.
Bob Degus:Certains des meilleurs courts métrages que j'ai vus en 30 ans d'examens de courts métrages pour les oscars mettaient en scène des acteurs que je ne connaissais pas, qui m'étaient inconnus, mais qui étaient si parfaitement castés pour leur rôle qu'ils ont apporté tellement de texture et de vivacité à leurs performances que l'histoire a pris vie. Gardez ceci à l'esprit, une performance brillante d'un acteur inconnu surpassera toujours une bonne performance d'un acteur célèbre. Parlons un moment du processus de répétition parce que c'est quelque chose que je vois les réalisateurs de courts-métrages mal abordés. Et il est important que vous y pensiez à travers ce prisme. Au théâtre, le processus de répétition est fondamental.
Bob Degus:On passe des semaines et des mois à répéter une pièce. La raison, c'est qu'au théâtre, il n'y a pas de montage. Le montage se fait pendant le processus de répétition. Il n'y a pas de post-production. Tout doit être fixé avant de jouer.
Bob Degus:Au cinéma, il existe une étape gigantesque appelée montage où vous façonnez le film pendant la post-production. Mais cela ne signifie pas que vous n'avez pas besoin d'un processus de répétition, surtout en début de carrière et surtout sur un court métrage avec un calendrier de tournage serré. Le processus de répétition est là où vous explorez et faites des découvertes. Vous n'avez pas besoin de répétition aussi longue qu'au théâtre, mais vous avez besoin d'un compromis entre aucune répétition et une répétition très longue. Il y a des acteurs très célèbres, Joaquin Phénix me vient à l'esprit, qui refuse de répéter.
Bob Degus:Sa raison est que s'il découvre quelque chose lors des répétitions et que les caméras ne l'ont pas capturé, il va devoir le mimer ensuite et ce ne sera pas authentique. Il y a une certaine validité à cela, surtout si l'on regarde ses performances. Mais travailler avec un acteur comme ça qui ne veut pas répéter, c'est bien si vous avez le budget pour filmer toutes vos répétitions en caméra sur le plateau le jour même. Je suppose qu'en tant que cinéaste de court-métrage qui débute, vous n'avez pas ce luxe. Alors assurez-vous que les acteurs que vous castez seront ouverts aux répétitions.
Bob Degus:Évidemment, c'est une question de budget. Si vous les payez, vous devrez les payer pour venir aux répétitions, mais c'est une étape vraiment importante. Les répétitions vous donnent un ou 2 jours supplémentaires pour construire la confiance entre vous et vos acteurs, ce qui est si essentiel pour la relation réalisateur acteur. Elles vous permettent d'explorer le personnage ensemble sans qu'une équipe de 50 personnes vous regarde faire. Vous pouvez trouver l'histoire de fond, la vie intérieure, des détails spécifiques qui n'apparaîtront peut-être pas dans le film, mais qui font vivre le personnage.
Bob Degus:Vous découvrez aussi des choses que l'acteur apporte au rôle auquel vous n'aviez même pas pensé. Et ces découvertes vous donnent le temps de réfléchir à la façon dont vous pourriez les améliorer ou ajouter de la couleur et de la texture quand vous arriverez sur le plateau. Vous pouvez également identifier des moments dans le scénario qui ne fonctionnent pas. Des répliques plus difficiles à dire qu'elles ne devraient l'être ou une scène où vous vous demandez pourquoi cette scène est-elle dans ce film Les répétitions vous donnent la possibilité de faire des ajustements avant le tournage quand il est beaucoup plus difficile d'apporter des changements. Et les répétitions donnent à votre acteur l'espace pour échouer en toute sécurité.
Bob Degus:Il peut essayer des choses folles parce que vous n'êtes que quelques personnes dans une pièce. Peut-être que ça n'a pas marché. Bon, essayons autre chose ou tiens, c'est une façon intéressante d'aborder ça. Cette liberté d'échouer sans conséquence signifie que sur le plateau, il aura davantage confiance en vous parce que vous avez gagné une place de sécurité auprès de lui. Il y a quelque chose qui s'appelle la lecture à la table qui est incroyablement important à faire.
Bob Degus:C'est quand vous réunissez tous vos acteurs et l'équipe clé du film. Le réalisateur, le 1er assistant réalisateur, votre directeur de la photographie, votre monteur, les producteurs. Et vous lisez le scénario entier du début à la fin. Ce n'est pas une performance. Vos acteurs ne sont pas à 100 pour 100, mais ils lisent le scénario pour que vous, en tant que réalisateur, puissiez pour la 1re fois vraiment entendre le scénario incarné par des êtres humains.
Bob Degus:Je sais qu'il existe des programmes d'intelligence artificielle où vous pouvez attribuer des personnages et entendre l'histoire lue à voix haute. C'est une étape intéressante, mais c'est une chose différente que d'avoir les acteurs que vous avez castés tous ensemble dans une pièce, probablement en se rencontrant pour la 1re fois, lisant le scénario avec l'équipe qui le réalise présente pour vivre cette lecture. C'est une étape vraiment critique et elle se fait généralement quelques jours avant le tournage pour que vous ayez le temps de la vivre puis d'apporter les ajustements que vous souhaitez. Or il est vraiment crucial de ne pas changer le scénario un ou 2 jours avant qu'une scène soit tournée. Les acteurs préparent leurs répliques et si vous leur livrez un nouveau scénario la veille, ils vont être très insécurisés.
Bob Degus:La concentration sur le plateau le lendemain sera sur l'exactitude des répliques plutôt que sur toute la richesse de l'interprétation que vous pourriez normalement explorer. J'ai travaillé sur un long métrage une fois où pour diverses raisons, cause du studio, des acteurs, des scénaristes, du réalisateur, il y a eu tellement de révisions majeures du scénario que les acteurs ont fini par se bloquer. Ils ne pouvaient plus suivre et ne pouvaient plus faire leur travail. Clint Eastwood, qui est légendaire pour la réalisation de films, ne change pas le scénario une fois qu'il commence à tourner. Votre travail, et ce que je vous encouragerais à faire en tant que réalisateur, c'est de peaufiner votre scénario avant d'arriver à la lecture à la table.
Bob Degus:Cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas faire des ajustements mineurs, mais vous voulez vraiment mettre en place une situation où vous ne modifiez pas votre scénario quelques jours avant le tournage parce que comme je l'ai dit, cela insécurisera vos acteurs. L'une des choses les plus importantes à comprendre sur le travail avec les acteurs, c'est que vous ne leur dites pas ce qu'ils doivent ressentir. Vous donnez aux acteurs les circonstances qui évoquent ce sentiment. Tu es triste dans cette scène, ça n'aide pas, mais dire ton personnage vient d'apprendre ce matin que sa mère est mourante, ça c'est autre chose, c'est une indication que l'acteur peut jouer ou jouons cette scène comme si tu étais absolument furieuse contre ton mari. C'est très concret.
Bob Degus:C'est une indication que l'acteur peut vraiment utiliser. Donner des indications orientées vers les résultats oblige l'acteur à les traduire en une action physique. On les appelle acteurs parce qu'ils font des actions qu'ils peuvent jouer. Plus vos indications sont pures dans leur forme, moins l'acteur aura besoin de les traduire et meilleure et plus efficace sera leur performance. L'une des choses les plus importantes qu'un réalisateur doit faire sur le plateau, c'est de protéger les acteurs et l'espace dans lequel ils se trouvent.
Bob Degus:C'est pourquoi le réalisateur est la seule personne à parler aux acteurs de leurs performances. Les autres membres de l'équipe ne parlent pas aux acteurs de leurs performances. Les acteurs seraient confus. Il y a une relation très sacrée entre un réalisateur et un acteur. Je vais raconter une histoire, je ne peux pas vous dire qui était le réalisateur ni quel était le film, mais j'ai travaillé avec un réalisateur très à succès, payé des 1000000 de dollars pour réaliser un film.
Bob Degus:Après chaque prise, le 1er assistant criait action et alors le réalisateur hurlait donnez-moi quelque chose de bien et parfois donnez-moi quelque chose de grand cette fois. C'était très perturbant pour les acteurs et un certain nombre d'entre eux étaient contrariés et m'en ont parlé. J'ai interrogé le réalisateur et il a dit j'ai lu dans un livre que les acteurs ont vraiment envie de faire plaisir aux réalisateurs. Alors je leur donne juste la permission de le faire. Mais ce qu'il faisait en réalité, c'était fermer l'espace.
Bob Degus:Comparez ça avec Clint Eastwood. Clint Eastwood ne crie pas action. Il lance d'abord le son, puis la caméra et dit ensuite tranquillement, quand vous voulez. Si vous ressentez la différence entre action et quand vous voulez, ces 2 phrases créent 2 endroits complètement différents depuis lesquels vos acteurs peuvent jouer. Gardez à l'esprit que la 1re prise est vraiment une prise sacrée.
Bob Degus:Très souvent, c'est la meilleure performance que l'acteur donnera. Pas toujours, certains acteurs ont besoin de s'échauffer et peut-être que la 8e prise est leur meilleure. C'est quelque chose que vous devrez découvrir en tant que réalisateur Et vous pourrez organiser votre tournage en conséquence. Si un acteur est meilleur à la 1re prise et commence à décliner ensuite, tournez son gros plan en 1er. S'il est meilleur à la 8e ou 9e prise, tournez l'autre acteur en 1er pour que celui-ci s'échauffe et quand il est sur le point d'atteindre son meilleur niveau, retournez la caméra et tournez-le.
Bob Degus:Tourne rarement plus d'une prise parce qu'il sent, c'est ça, vous l'avez. Sur un calendrier serré, peut-être 2 ou 3 prises et on passe à autre chose. Savoir cela sur vos acteurs est important. Pensez à la façon dont vous communiquez avec vos acteurs après chaque prise. La 1re chose que vous devez faire après avoir dit couper est d'aller parler à vos acteurs, ne parlez pas au directeur de la photographie, ne parlez pas à quelqu'un d'autre en 1er.
Bob Degus:Allez leur donner votre ressenti sur la façon dont la performance s'est passée, puis donner les ajustements pour la prise suivante. Ce que j'ai vu se produire tant de fois, surtout en travaillant avec des étudiants, c'est qu'ils parlent aux directeurs de la photographie, aux chefs électriciens, à tout le monde sauf aux acteurs, parce qu'ils ont peur d'aller leur parler. Parlez aux acteurs en 1er, pas à travers un mégaphone, levez-vous de votre chaise et allez leur parler. Et quand vous donnez des ajustements, ce ne sont pas des corrections. Vous ne dites pas, ne fais pas ça, fais ça.
Bob Degus:Vous leur donnez de nouvelles informations. Formulez-le comme un et si. Et si dans ce moment, elle le trouvait finalement drôle plutôt que menaçant. L'idée du et si apporte une énergie ludique et ouvre des possibilités plutôt qu'un reproche, tu t'es trompé, alors cette fois, laisse-moi te dire comment faire autrement. Vous ajoutez à ce que l'acteur a fait, vous prenez ce qu'il a fait et ajoutez l'élément suivant.
Bob Degus:N'enchaînez pas 5 ou 6 choses, vous verrez les yeux de l'acteur se voiler. Donnez une seule chose concise qui aide l'acteur à aborder la prise suivante différemment. L'une des choses que j'ai apprises très tôt en travaillant avec un réalisateur très à succès, il n'y a pas qu'une seule bonne façon de faire une scène. C'est une hypothèse incorrecte. Il y a un éventail de façons dont l'acteur pourrait interpréter une scène et un éventail d'émotions toutes également valides qui pourraient se produire dans une scène.
Bob Degus:Ce réalisateur en particulier aimait beaucoup obtenir différentes nuances de jeu pour qu'en post-production on puisse choisir une interprétation plus intense ou une plus rapide ou une plus mesurée. Il essayait d'obtenir un éventail de nuances qu'il pourrait utiliser en salle de montage plutôt que de chercher l'unique performance exacte et correcte. Pensez à ce que vous cherchez et à comment vous pouvez aider vos acteurs à donner la meilleure performance possible que vous pourrez ensuite utiliser quand vous montrez votre film. Je pensais à toutes les performances que j'ai vues en tant que votant aux oscars, à regarder des courts-métrages. Et si je voulais distiller l'essence en 3 choses qui me restent en mémoire à propos des performances vraiment extraordinaires, voici ce que je dirais.
Bob Degus:Premièrement, la performance de l'acteur disparaît dans le personnage. Ce n'est pas un acteur qui joue une scène. Ce n'est pas un acteur qui indique ces choses. C'est là où l'acteur devient le personnage et il est ce personnage. Je ne regarde même plus une performance.
Bob Degus:Simplement, ils sont ce personnage. Vous pouvez appeler ça la vérité, la présence ou comme vous voulez, mais c'est une performance brute, réelle et authentique. C'est, je pense, la chose la plus importante que je puisse nommer. Et c'est souvent là que Caster, un acteur très célèbre, peut jouer contre vous. Parce que maintenant, je regarde Tom Hanks c'est un état d'esprit différent que de simplement regarder le personnage dans le film.
Bob Degus:Vous voulez que la performance soit ressentie comme authentique et réelle dans votre coeur. Deuxièmement, l'immobilité. Certaines des performances les plus puissantes des acteurs sont quand ils écoutent. Pensez à un schéma de montage traditionnel où cet acteur parle, donc la caméra est sur lui, puis cet autre acteur parle et la caméra est sur lui. Mais ce qui me fascine vraiment, c'est quand l'acteur écoute ce que dit l'autre personnage.
Bob Degus:Et cette immobilité est l'endroit où si c'est un grand acteur, on peut le voir penser à ce qui est dit, le traiter en tant que ce personnage. Très souvent, les réalisateurs se concentrent uniquement sur les lectures de réplique plutôt que sur l'écoute, mais l'écoute est vraiment là où se produisent certains des jeux les plus puissants. Si vous regardez les courts métrages que je vais partager avec vous, vous allez voir ça encore et encore. Ils passent beaucoup de temps dans l'immobilité avec les acteurs qui écoutent et pensent. Troisièmement, les performances qui vous surprennent.
Bob Degus:C'est difficile à quantifier, mais vous-même en tant que spectateur de cinéma, vous le savez quand vous le voyez, là où les acteurs font des choses vraiment intéressantes et extraordinaires qui vous ravissent, vous captivent et vous maintiennent en train de regarder le film. C'est quelque chose que l'acteur apportera, espérons-le, lors des auditions et vous lui donnerez l'espace sur votre plateau pour l'explorer. Pour que vous ayez cet or qu'ils ont créé et que vous puissiez choisir les meilleurs moments en post-production. Laissez de l'espace pour ces surprises de jeu, ces accidents, cet or cinématographique pour qu'ils se produisent sur votre plateau et ainsi les avoir quand vous montrez votre film. La plupart des acteurs sont des personnes vraiment extraordinairement douées et ils apportent une façon puissante de comprendre notre propre humanité.
Bob Degus:Je pense qu'il mérite vraiment d'être chéri et respecté. Je me souviens de quand je produisais le film Pleasantville avec Steven Soderbergh, John Killik et Gary Ross. Dès le début du tournage, nous savions que nous faisions un bon film. Il était porté par Toby Maguire, Reese Witherspoon, Jeff Daniels et Bill Maesy. Il y avait beaucoup d'acteurs extraordinaires dans ce film.
Bob Degus:Mais nous tournions depuis quelques semaines quand Johann Allen est arrivée. Elle joue la mère dans le film et dès son 1er jour de tournage, elle a livré une performance tellement extraordinaire qu'elle a élevé tout le film. Le film est devenu significativement meilleur grâce à sa performance. Je me souviens d'être sur le plateau et qu'il était évident pour toute l'équipe que nous faisions soudainement un film extraordinaire grâce à Johanna Allen. Et ce qu'elle a fait, c'est inspirer tous les autres acteurs à aussi élever leurs performances et le niveau de leur travail.
Bob Degus:C'est là que j'ai vraiment compris à quel point les acteurs sont incroyablement importants et pourquoi tenir l'espace pour qu'ils fassent quelque chose d'extraordinaire a tant d'importance. Parce qu'ensuite, ils vont inspirer tout le monde, du directeur de la photographie au monteur en passant par les producteurs, à élever leur niveau et à apporter plus d'énergie au projet. Les acteurs sont des personnes très spéciales. Pense que c'est un privilège pour les réalisateurs de travailler avec eux. J'ai travaillé avec Brad Pitt très tôt dans sa carrière.
Bob Degus:J'ai produit un court métrage nommé aux Oscars dans lequel il jouait et j'ai appris sur ce film l'importance de la relation entre le réalisateur et la star du film. Mais c'est peut-être une histoire pour un autre podcast. Consacrer beaucoup de temps aux descriptions de personnages, écrire sur ce que ressentent ces personnages, ce qu'ils veulent, ce dont ils ont peur, ce qu'ils veulent cacher. Même si ce ne sont pas des scènes qui se trouvent dans votre scénario, pensez à leur histoire de fond, à des choses qui se sont passées dans le passé du personnage et qui vous aideront à comprendre qui ils sont. Avant la production, planifiez des répétitions avec vos acteurs en vous concentrant vraiment sur le fait d'apprendre à les connaître, de construire une relation de confiance et d'explorer des choses ensemble.
Bob Degus:Trouvez une façon de travailler que vous pouvez apporter avec vous sur le plateau, une façon qui les aide à donner leurs meilleures performances. Quand vous dirigez vos acteurs sur le plateau, essayez de donner des indications d'une façon que l'acteur peut comprendre et avec laquelle il peut travailler. Ne donnez pas d'indications orientées vers les résultats, lui dire quoi faire, mais donnez-lui un désir. Dans cette scène, ce personnage a besoin qu'il lui pardonne. C'est une façon beaucoup plus claire de donner une indication.
Bob Degus:Je pense vraiment qu'en tant que réalisateur et cinéaste, plus vous vous éduquez sur les acteurs, plus vous réussirez à faire votre film. Alors qu'est-ce que cela signifie pour votre film en ce moment bien, cela dépend de l'étape du processus où vous en êtes. Si vous n'avez pas encore fait le casting, consacrez vraiment un temps considérable à réfléchir et à écrire des descriptions de personnages qui vont au-delà des attributs physiques. Parce qu'en réalité n'importe qui pourrait jouer le personnage et si vous êtes fixé sur une couleur de cheveux spécifique ou un type de corps spécifique, vous limitez votre vivier d'acteurs disponibles. Si c'est vraiment nécessaire pour le personnage, c'est autre chose.
Bob Degus:Mais la plupart du temps, moins vous êtes restrictif physiquement, plus vous aurez de choix parmi de grands acteurs. Consacrez beaucoup de temps aux descriptions de personnages, écrire sur ce que ressentent ces personnages, ce qu'ils veulent, ce dont ils ont peur, ce qu'ils veulent cacher. Même si ce ne sont pas des scènes qui se trouvent dans votre scénario, pensez à leur histoire de fond, à des choses qui se sont passées dans le passé du personnage qui vous aideront à comprendre qui ils sont. Avant la production, planifiez des répétitions avec vos acteurs en vous concentrant vraiment sur le fait d'apprendre à les connaître, de construire une relation de confiance et d'explorer des choses ensemble. Trouvez une façon de travailler que vous pouvez apporter avec vous sur le plateau, une façon qui les aide à donner leurs meilleures performances.
Bob Degus:Quand vous dirigez vos acteurs sur le plateau, essayez de donner des indications d'une façon que l'acteur peut comprendre et avec laquelle il peut travailler. Ne donnez pas d'indications orientées vers les résultats, lui dire quoi faire, mais donnez-lui un désir. Dans cette scène, ce personnage a besoin qu'il lui pardonne. C'est une façon beaucoup plus claire de donner une indication. Je veux prendre un moment pour vous parler de ce livre.
Bob Degus:Il s'appelle Directing Actors de Judy Tweston. Si vous ne deviez lire qu'un seul livre sur le cinéma dans toute votre vie, ce devrait être Directing actors de Judith Weston. C'est un livre extraordinairement bon pour aider tout réalisateur, quelle que soit votre expérience, à comprendre comment communiquer avec les acteurs. Elle travaillait comme directrice de casting et assistante de direction de casting et elle était horrifiée par la façon dont les réalisateurs de cinéma communiquaient mal avec les acteurs. Ils pouvaient communiquer avec la caméra, avec l'équipe, mais avec les acteurs, ils étaient terribles.
Bob Degus:Et elle a ressenti un vrai besoin d'écrire un livre pour donner aux réalisateurs un langage et une façon de communiquer avec les acteurs. C'est un livre extraordinaire, approfondi, facile à lire et facile à assimiler qui vous aidera de façon exponentielle à travailler avec vos acteurs sur votre plateau. Voilà pour le plateau et ensuite, si vous avez tourné votre film et que vous regardez votre film terminé, vous voulez vraiment être honnête avec vous-même en le regardant, vous assurer qu'il y a de la vérité dans les performances de vos acteurs, Pas en regardant l'éclairage, pas en regardant la composition des plans, pas en regardant les costumes, mais y a-t-il de la vérité dans ce qui est dit Vous pouvez faire ça en écoutant. Fermez presque les yeux et écoutez les mots tels qu'ils sont prononcés dans votre film. Vous semble-t-il vrai Si la réponse est non, trouvez peut-être une autre prise où il y a plus de vérité dans ce qui est dit.
Bob Degus:Vous pouvez aussi utiliser cette technique sur le plateau en écoutant ce que disent les acteurs parce que la voix révèle beaucoup mieux si quelque chose est dit avec authenticité ou si c'est un peu forcé. Alors voilà cet épisode, un épisode panoramique sur la façon de travailler avec les acteurs et sur la façon dont ils peuvent élever votre film et le rendre exponentiellement meilleur. J'espère que cela vous a été utile. Merci. Rejoignez-moi pour l'épisode 7, le court métrage qui a lancé Brad Pitt et ce qu'il nous apprend.
Bob Degus:Une dernière chose, si l'épisode d'aujourd'hui vous a inspiré, rendez-vous sur Hollywood Film Coach point Substack point com pour lire le texte d'accompagnement. C'est un article original qui approfondit l'idée la plus importante de l'épisode d'aujourd'hui et qui inclut des liens vers tous les films dont nous avons parlé pour que vous puissiez les regarder vous-même et vous forger votre propre opinion. Je vous y retrouve. L'écart entre un bon court métrage et un court métrage primé est plus petit que vous ne le pensez. Comblez cet écart, c'est précisément l'objet de ce podcast.
Bob Degus:Je suis Bob Degus. Voici le Votre Coach Cinéma Hollywood Podcast. Abonnez-vous, laissez un avis et partagez-le avec un cinéaste qui a besoin de l'entendre. La voix de Bob Degus dans cet épisode a été créé par l'IA Eleven Labs à partir de son podcast original en anglais Hollywood Film Coach.
